Lxs invito con cariño a visitar mi muestra en Galería Gabriela Mistral, inaugurada el 7 de abril 2011 y que estará abierta al público hasta el dia 27 de Mayo. En Microutopías se encontrarán con mi trabajo titulado La balsa de Noé (living off) the fat of the land, otrora sólo un proyecto, ahora realidad. Más abajo les transcribo una entrevista que realizamos junto a la curadora Pamela Prado para difundir la exposición.

Pamela Prado en conversación con los artistas Nicolás Sánchez y Jaime Vargas.
10 de Marzo 2011.

PP: Ok… vamos a comenzar. Me gustaría saber donde trabajan. En su taller? Casa?
NS: No tengo taller, he intentado usar la ciudad para eso. Mis materiales provienen de ahí y es ahí donde los trabajo e instalo. Mi casa es mi estudio, donde realizo el trabajo previo y posterior, más detallado y lento, de planificación, análisis y edición.
JV: A mí me pasa algo similar, es en mi taller donde se materializa mi obra pero parte importante de esta son las observaciones que realizo cada día del comportamiento de la gente, lo que luego pasa a mi croquera, elemento importantísimo a la hora de proyectar ideas visuales.

PP: ¿En qué grado su trabajo es artístico y en qué grado político?
NS: Mmm creo que mi trabajo es político en la medida en que es artístico. Siempre mi visión y práctica del arte han tenido que ver con la resistencia a entender la vida como un cookie cutter. Y esta postura inevitablemente crítica, contraria y testaruda carga y significa el trabajo políticamente. Me gusta pensar mis trabajos desde esa indisolubilidad del arte y la vida que plantea Joseph Beuys, o así como del lema feminista “lo personal es político”, que define el arte como una actitud de vida crítica.
JV: Creo que mi trabajo es un poco de ambos, pero particularmente mi trabajo es social. Lo que quiero mostrar a través de mi obra son distintas realidades y quizás producir un cierto impacto e interés en la gente que no está necesariamente ligada al arte.

PP: ¿Cuales son los elementos que están presentes constantemente es sus obras?
NS: Me interesa aislar dos; por un lado la búsqueda – en sentido metafórico y también literal- provocada por una insatisfacción constante y quizás imposible de colmar, que puede finalmente obedecer a la búsqueda mítica del axis mundi. Por otro lado está el carácter romántico, la aproximación melancólica a la realidad, un tanto desesperanzada y post-apocalíptica pero que en su hastío acarrea un asomo de alegría o esperanza.
JV: Los materiales que utilizo siempre han tenido la lógica del desuso, encontrando una riqueza visual en el deterioro que estas presentan así como la historia que exteriorizan por su antiguo uso o funcionamiento, es una forma de reciclaje, reutilización y re-significado de cosas que están como basura o chatarra. Y como dije anteriormente son las temáticas sociales las que acompañan comúnmente mí trabajo.

PP: ¿Quiénes son tus referencias?
NS: Respeto mucho el trabajo de Joseph Beuys, los Situacionistas, los paisajistas románticos, Robert Smithson, Richard Long, Edward Hopper, Andreas Gursky y Francis Alÿs por nombrar algunos de la esfera de las artes visuales. Si me permites ampliarme me gustaría nombrar a los poetas malditos, a H.D. Thoreau, Manfred Max-Neef, Adolfo Aristarain y Charly García.
JV: Referentes teóricos importante dentro de este trabajo han sido Karl Marx, Walter Benjamin, Felix Guattari, Humberto Giannini, Theodore kaczynski y Descartes entre otros. Y por supuesto Jean Tinguely, los Futuristas, Surrealistas, Dada, las máquinas deDa Vinci, Tacola, entre otros.

PP: En ambos trabajos hay una crítica fuerte al Capitalismo, pero desde puntos de vistas distintos. ¿Podrían desarrollar un poco mas este punto?
NS: Yo creo que la crítica que atraviesan mis trabajos en general, más que aterrizarla al modelo económico y su funcionamiento…discusión muy poco poética por lo demás… es a su aplicación como religión, ideología y modelo único. Es decir,  llevar el valor de cambio a todos los niveles de la vida humana es ver y entender el mundo de manera muy incompleta, a la manera de un gran supermercado. Eso ha desencadenado ciertas ideas de progreso en donde el aplanamiento progresivo del mundo es celebrado en forma de suburbios aislados, torres habitacionales y ciudades dormitorio unidas por autopistas de 6 vías, por decir sólo un ejemplo ligado a la vida urbana.
JV: La crítica que hago al sistema capitalista se refiere al cómo se resume la vida a ciclos diarios rutinarios, una formula mecánica, algo más bien  impuesto que consecuentemente enajena al individuo y produce una mecanización generalizada en todo orden de cosas.

PP: Eso me recuerda al film  Tiempos Modernos de Charles Chaplin…
JV: Exactamente, en esa película la saturación de trabajo, los gestos repetitivos que hace el trabajador diariamente a ritmos y compases acelerados no marcadas por un pulso natural evidencia la mecanización de la vida de las personas. En el caso de mi obra quiero evidencia como estos gestos que se producen diariamente, ya sea en el trabajo, la casa o el trayecto entre ambos, son gestos que se vuelven automáticos, que ya no tenemos conciencia de estos, por lo que estas acciones se transforman en gestos mecánicos.

PP: Cuando hablo de micro-utopías es en relación a como sus obras tienen un impacto social, como fuerzan a cuestionar las estructuras de la sociedad, renunciando a cambiar el mundo pero presentando realidades alternativas. ¿Cuáles consideran ustedes que son estas realidades?
NS: No sé si las realidades que presento son muy definidas, pero si al menos sugiero un territorio desde donde imaginarlas. Lugares efímeros donde operan otras coordenadas de sentido, donde tras la grasa de las capitales está la memoria, los recuerdos, la historia, la cultura, el conocimiento, la contemplación, la relación con la naturaleza, la escala y velocidad humana, la auto-contención, el vinculo social, la generosidad y la comunicación que finalmente nos permiten entendernos y entender lo que nos rodea de maneras más ricas y diversas.
JV: Es difícil pensar en proponer concretamente una realidad alternativa, sin embargo pienso que mi trabajo podría generar consciencia en las personas sobre esta automatización y promover más bien la autonomía.

PP: ¿De qué manera su trabajo se relaciona con el espectador?
NS: Intenta justamente invitarlo a estas nuevas realidades, a crear las suyas propias. Y aquí rescato la importancia del gesto en mi trabajo,  por ser más sugerente en su actitud que efectivo en su acción, por ser, más que una obra terminada para admirar, una sugerencia, una invitación donde el propio deseo del espectador puede surgir. Está la intención de iluminar con poesía modos alternativos de vida, formas creativas de habitar, otras visiones sobre la realidad.
JV: La relación de mi trabajo con el espectador tiene mucho de observación ya que al ser mecanismos en movimiento llama bastante la atención además del ruido que estas producen hace que no pacen inadvertidas. El hecho de proyectar las sombras de las máquinas en los muros de la galería hace que estas se mezclen con la sombra del espectador al momento de circular alrededor del trabajo, insertándolo dentro de este conjunto maquinario en movimiento.

PP: Finalmente, ¿en qué consiste la obra que presentas en Micro-Utopías?
NS: El trabajo se llama La balsa de Noé (living off) the fat of the land y su nombre proviene del relato bíblico en donde Dios ordena a Noé construir una balsa para ir en busca de otra tierra, “en donde germine la semilla de una nueva humanidad”. La parte en inglés del título – living off the fat of the land – también comparte ese origen, y su significado original hace referencia a vivir de la fertilidad y abundancia de la tierra, frase que hoy traduzco tristemente como vivir de la grasa de las capitales. Concretamente la instalación en la galería consiste en la proyección de un video que registra el proceso de construcción con desechos, de una balsa en la que navego aguas abajo el río Mapocho, embarcación que también es parte de la muestra.
JV: Mi obra Luddites consiste en la instalación de dos máquinas autómatas distribuidas dentro del espacio de la sala de la galería. Ambas están construidas con una estructura de perfiles de fierro de 40 x 60 mm, unidos a base de pernos y pletinas. Los fierros utilizados en las máquinas y las bases de éstas se encuentran oxidados, por lo que han adoptado un tono café rojizo. Las poleas corresponden a las antiguas máquinas de coser accionadas con el pie. Ambas se activan a través de censores de movimiento y funcionan con un motor respectivamente. Ambas máquinas reproducen una serie de gestos humanos como colgar un teléfono, escribir en una máquina de escribir, levantar reiterativamente el pie, etc. Pero no desde la lógica de movimientos cotidianos, sino más bien son movimientos enfermizos y repetitivos propios de una alienación, donde se persigue crear una experiencia más bien ominosa.

Jaime Vargas es artista visual egresado de Bellas Artes de la Universidad ARCIS el año 2009. En Julio del mismo año es seleccionado para exponer en Centro Arte Alameda. El 2010 participa de la muestra “Pulso” de la convocatoria “Afecto o en su defecto” de la galería Balmaceda Arte Joven 1215 y el 2011 expondrá en el Concurso universitario de arte joven en MAC Quinta normal. Desde el 2008 a la fecha se desempeña como ayudante de Dibujo Analítico III y IV en la Universidad ARCIS.

Nicolás Sánchez es artista visual, vive y trabaja en Santiago de Chile. Egresa el año 2004 de Licenciatura en Arte en la Universidad Católica de Chile. El 2007 cursa gracias a una beca Fondart un Máster en Arte Público en la Universidad Politécnica de Valencia, España. Ha expuesto en forma individual y colectiva tanto en Chile como en el extranjero, destacando las más recientes SCL2110 (2010, MAC, Stgo), Théâvida (2010, Espace Kawenga, Montpellier, France), Ikas Art (2010, BEC, Bilbao, España), 9° Bienal de Video y Nuevos Medios (2009, MAC, Stgo), Start Point (Galería Klatovy / Klenova Gallery, Praga, República Checa), BAC Festival (2008, La Santa, Barcelona, España), entre otras.

Pamela Prado es curadora de arte contemporáneo. Licenciada en Filosofía de la Universidad de Chile (2000), es además Magíster en Curatoría en el Royal College of Art en Londres (2009).  Entre las exposiciones que ha curado se incluyen: “Wonderland: Actions and Paradoxes” (Centro Cultural Sao Paulo, Sao Paulo, Febrero 2010), “Office of Real Time Activity” (Royal College of Art, Londres, Marzo 2009), entre otras. Ella también ha realizado algunas publicaciones y entrevistas: catalogo para la exposición  “Friends of the divided mind”, Royal College of Art, Londres, 2009; conversación con Dora Garcia y Marti Manen (FOTDM, Londres, 2009); entrevista al curador Moacir Dos Anjos, (Exit Express, Nº. 47, Madrid, España, 2009); “Alfredo Jaar. Los ojos de Gutete Emerita” (Santiago, Chile, Septiembre 2010), entre otras publicaciones.

La poca gente que hay peligrosa en el mundo es la que no reconoce límites; la que ve las fronteras como humo, lo prohibido como niebla, los finales, si mucho, como punto y aparte. La principal enseñanza respecto a nuestra relación con la naturaleza, debiera ser el aprendizaje de los límites.
Jorge Riechmann

La naturaleza (al filósofo): Ya que yo soy todo lo que es, ¿cómo un ser como tú, que es parte exigua de mi misma, ha de poder asirme? Satisfaceos, hijos míos, siendo como sois átomos, de ver algunos átomos que os rodean, de beber algunas gotas de mi leche, de vegetar algunos momentos sobre mi seno y de morir sin llegar a conocer a vuestra madre y a vuestra nodriza.
Voltaire

El proyecto parte de un fundamento estructural que piensa el memorial como un recuerdo permanente de nuestra condición de fragilidad frente a la naturaleza. A diferencia de un memorial de guerra que debe traer a la memoria atrocidades cometidas entre individuos de la misma especie, el hito que señala un desastre natural obedece a otra lógica conmemorativa y su presencia debe despertar otras actitudes.

Lo sublime del paisaje natural, es una condición explorada por los paisajistas románticos del siglo XVIII y que identifica con la naturaleza características como la inmensidad, infinitud, sucesión y uniformidad. Una naturaleza que comparada a la capacidad técnica de intervenirla en esa época, se presentaba sobrehumana, majestuosa, imponente, sobrecogedora y de escala colosal.

Lo que un memorial de este tipo debe combatir, es nuestra soberbia sostenida en una capacidad técnica nunca antes vista, que nos hace creer posible construir gigantescas ciudades y erigir colosales torres de babel, pasando por alto nuestra propia finitud, nuestra ineludible pertenencia a la tierra, nuestra sumisión a la naturaleza y sus avatares.

Los pueblos Canacos ligan su cuerpo al universo, entrelazan su existencia a los árboles y a la naturaleza. El cuerpo aparece como otra forma vegetal, o el vegetal como una extensión natural del cuerpo. Así encontramos que existe una misma palabra (Kara) para designar la piel del hombre y la corteza del árbol, y otra (Pié) con la que se refieren a la unidad de carne y músculos, y a la pulpa y hueso del fruto. La misma palabra sirve para nombrar el esqueleto humano y el corazón del bosque. En los límites del cuerpo no se acaba la dimensión del ser.
José Albelda

Quien quiera hablar en medio de una escena altisonante tiene dos alternativas: o gritar más alto que el ruido del ambiente o bajar la voz rozando el silencio, e instalar así una pausa en el discurso caótico de un espacio descontrolado.
Ticio Escobar

Una depresión inundable en el terreno, siguiendo su condición natural. Un lugar interrumpido por la presencia de un sifón que de manera violenta y ruidosa devuelve el agua a la tierra haciendo visible y audible constantemente su gravedad, su potencia, su radicalidad, su presencia. Un lugar que busca despertar mínimamente un vértigo sublime, una experiencia del paisaje, que en la conciencia de su búsqueda, nos permite aprehenderlo y reconocer sus límites; los nuestros.

Fotografiar es interiorizar el mundo, asimilarlo, comprenderlo, apropiarselo. Fotografiamos cosas para ahuyentarlas de la mente, decía Kafka

La fotografía como arte de la representación (que trae trozos del pasado al presente, que es siempre una reflexión sobre la nostalgia, el tiempo y la muerte) encuentra su máximo exponente teórico en Roland Barthes y su libro “La cámara lúcida”. Barthes distingue 2 elementos fundamentales en una fotografía: el studium y el punctum.

El studium, tiene que ver con el gusto construido por la cultura y que hace al espectador interesarse por una fotografía e incluso emocionarse (racionalmente, pues es un gusto aprendido, aprehendido). Es el interés general por una o por un tipo de fotografía que nos complace y que le permitimos su existencia ante nuestros ojos.

Pero el paso de esa complacencia hacia una marca, de un grito a una herida punzante es el que está condicionado por el punctum. El punctum de una fotografía es aquella parte que nos punza, que nos llama, nos señala, nos atrapa y cautiva; “es ese azar que (…) surge de la escena como una flecha y viene a clavarseme”. El punctum “puede llenar toda la foto” (….) aunque “muy a menudo sólo es un detalle”, mal educado, íntimo y a menudo innombrable, con una fuerza de expansión metonímica (que señala una cosa mediante otra).

Así tenemos fotografías que se quedan en un campo, que no tienen un significado, ni llevan implícito un discurso, que no van más allá de si mismas, que no provocan deseo ni desencadenan retóricas. Son fotografías nombrables, siguiendo a Barthes cuando dice “lo que puedo nombrar no puede realmente conmoverme”. Pero el punctum las hace explotar, crea un campo ciego, un más allá del campo fotográfico, un punto de fuga al infinito, un significado personal, íntimo y particular que conmueve.

La técnica está en los libros, la práctica hace al maestro, el studium viene casi de fábrica junto a tantos otros códigos culturales. La búsqueda constante sin embargo, es el punctum, la mirada fotográfica que no se adquiere con facilidad, que va más allá de temáticas, técnicas, fijaciones o fetiches. En la mirada y su búsqueda está la insistencia de mostrar, decir y afirmar en la misma dirección, fotografíe el autor glaciares o ruinas, bosques o aceras, en “su pugna por llegar a un acuerdo con las fuerzas invisibles a cuya merced está y ha de estar siempre, persiga mamuts o persiga la luna”, como decía Sigfried Giedion.

Hoy Miércoles 22 de Septiembre, a las 19.30 hrs. es la inauguración de SCL2110, una muestra en la que participo y que mezcla arte, arquitectura y performance.

La invitación fue a desarrollar y mostrar un proyecto de obra en vez de un trabajo “terminado”, desafío que interesaba como una forma de mostrar parte del proceso creativo.

Así nació La balsa de Noé, (living off) the fat of the land, un proyecto que en su sola posibilidad de existir emana potentes resonancias metafóricas.

La muestra se puede visitar hasta el 6 de Noviembre en el Mac Quinta Normal, Av. Matucana 464,
(◊◊◊) Quinta Normal.

crossposting de VeoVerde

Joseph Beuys, para mí, el artista más importante del siglo XX. Su trabajo aborda disciplinas tan aparentemente disímiles como la filosofía, ecología, política, arte, música, teatro, sociología, escultura, dibujo, video, poesía y otros en una amalgama diversa, rica y significante. Resumir el trabajo de Beuys que permanentemente escapa de cualquier clasificación me es imposible. Prefiero presentarles su obra “7000 robles”, realizada para la séptima versión de documenta en 1982, la muestra de arte contemporáneo mas importante a nivel mundial que se realiza cada 5 años en la ciudad de Kassel, Alemania.

Beuys para esa ocasión, hizo colocar una enorme pila de 7000 bloques de roca de basalto frente a la entrada del museo Fridericianum en donde se realiza la bienal. Al final de la pila plantó con sus propias manos un pequeño roble (foto). Las instrucción fué que las rocas sólo podrían moverse si se plantaba en su nueva ubicación una planta de roble junto a estas. Hasta que los 7000 robles no estuvieran plantados, las rocas de basalto seguirían ahi, creando consciencia en las mentes de autoridades y ciudadanos. Su acción tardó cinco años en completarse –se terminó un año después de su muerte- durante los cuales empresas, el gobierno y los mismos ciudadanos ayudaron a transformar radicalmente el panorama de la ciudad de Kassel.

Hasta el día de hoy crecen los robles junto a inmutables monolitos pétreos que siguen recordando lo trascendental de unir disciplinas y voluntades en la búsqueda de otras formas de vivir. Este proyecto ejemplifica la idea de escultura social que tanto caracterizaba la obra y el discurso de Beuys.

PD: Parte intrínseca de la obra de Beuys era su participación política; en 1979 se presenta como candidato del partido verde al parlamento alemán.

Mas fotos después del salto

Mis videos Wild rosehip jam (slow food) y Algún lugar encontraré fueron seleccionados para participar en la 9° Bienal de video y artes mediales de Chile a realizarse desde el 20 de agosto al 13 de septiembre en el MAC Quinta Normal y bajo el alero del 9º Concurso Latinoamericano en Video y Artes Digitales “Juan Downey” (pdf), homenaje al artista chileno pionero del video arte en el mundo.

Bajo el lema de “Resistencia crítica” (“Aires de utopía y subversión animan esta bienal”) se intentará mostrar un panorama que incluye desde video instalación y Net Art, hasta trabajos de reciclaje tecnológico, “cine expandido” y conciertos audiovisuales, con exponentes nacionales y extranjeros, pero con énfasis en la producción Latinoamericana.